Si ce film ajoutait un peu de minimalisme auto-imposé, il pourrait avoir beaucoup plus de succès en tant qu’étude de personnages.
Comme « Between the World and Me » de Kamilah Forbes, « Malcolm & Marie » de Sam Levinson et Doug Liman (Doug Liman). Comme « Locked Down » de Natalie Morales, « Language Class » de Natalie Morales est évidemment un produit de notre période de confinement, et son principe est particulièrement adapté à ses limites techniques.Mark Duplas (Marc Duplas) (a écrit le scénario avec Morales) incarne Adam, un nouvel élève à distance de Cariño (Morales), professeur d'espagnol au Costa Rica.Son riche mari, Will (Desean Terry), s'est inscrit au cours comme cadeau d'anniversaire.Il établit rapidement un lien avec Cariño, qui se renforce après une tragédie inattendue.
L'action du film se déroule presque entièrement à travers une série de discussions par webcam, passant généralement d'un écran d'ordinateur portable à l'autre dans la scène, ce qui prouve que la manière fascinante d'agir dépasse largement l'embarras initial.De plus, même si la séparation des acteurs limite le nombre de réactions chimiques qu’ils peuvent créer, elle ajoute parfois un sentiment d’originalité qui peut leur manquer dans les films traditionnels.Lorsque les personnages regardent directement la caméra, ils se concentrent plus clairement sur les moments fragiles.Se concentrer sur.
Les classes de langues utilisent également leurs perspectives limitées pour élargir leurs conflits centraux de manière intéressante.Après qu'Adam ait réalisé que son manoir contrastait fortement avec l'environnement plus humble de Cariño, il a progressivement admis qu'il éprouvait un sentiment de culpabilité pour ses privilèges par rapport au sien, et leurs appels vidéo n'ont fourni que peu d'informations.C’est un moyen efficace d’expliquer efficacement tout ce que vous pouvez faire.Comprenez la vie de chacun.
Tout comme « Paddleton » d'Alex Lehmann (avec Dupras également), « Language Lesson » a prouvé son vif intérêt pour la romance platonicienne.Il s’agit de l’un des accords relationnels les moins connus de l’industrie cinématographique.Les deux films dégagent une chaleur discrète, mais les personnages ici ne sont pas si idiosyncratiques, ce qui signifie qu'ils peuvent franchir le seuil de similitude fondamentale, mais ne peuvent pousser l'histoire que jusqu'à présent.Bien qu'il y ait des indices occasionnels selon lesquels Cariño pourrait jouer devant la caméra et qu'Adam ne soit pas autorisé à participer à tous les détails de sa vie en dehors du cours, le viseur du film empêche cette idée d'être explorée de manière significative.En l’absence de moments personnels ou d’interactions dans le monde réel, les dialogues peuvent devenir trop illustratifs, car ils sont obligés d’assumer seuls la majeure partie du récit lourd.
Lors du précédent appel vocal uniquement, elle a accidentellement allumé la caméra et a brièvement exposé Adam avec un visage meurtri et des yeux sombres.Un Carinho embarrassé s'est soudainement retiré et a établi avec lui un professeur plus professionnel.Relations et désir récent de maintenir leur vie privée.En fin de compte, les deux hommes ont été contraints de faire face à leurs différences, et certains arguments étaient trop clairs sur les insécurités et les stéréotypes qui menaçaient leur amitié florissante.Au début, la tension entre classe, race et sexe derrière cet échange interculturel était subtilement minimisée. Ainsi, lorsque l’histoire traite le thème de manière plus intuitive, c’est une chose honteuse.La révélation finale de l’intrigue est peut-être aussi de trop.Trop.Si ce film ajoutait un peu de minimalisme auto-imposé, il pourrait avoir beaucoup plus de succès en tant qu’étude de personnages.
Acteurs : Natalie Morales (Natalie Morales), Mark Duplass (Mark Duplass), Disney Terry (Desean Terry) Réalisateur : Natalie Morales (Natalie Morales) Scénario : Mark Diplas (Naslie Morales), Natalie Morales (Natalie Morales) Temps de sortie : 91 minutes Classement : NR Année : 2021
Les personnages de ce film sont pleins de peurs paradoxales qui ne peuvent survenir que dans les rêves.
« Fabian : Going the Dogs » de Dominik Graf commence par un chariot lent qui dévale les escaliers jusqu'à la magnifique station de métro de Berlin.Bien que quiconque connaisse le matériel original du film, comme le roman d'Erich Kästner « Les Fabiens : l'histoire d'un moraliste » publié en 1931, espère que cette histoire se déroulera dans deux endroits en Allemagne.Entre la Seconde Guerre mondiale, mais maintenant c'est une évidence pour nous, car les gens à l'écran portent entre autres des polos et des jeans.Cependant, lorsque la caméra passe devant la gare et monte vers l'escalier d'en face, le navetteur enfilera les vêtements de l'heure prévue.La caméra monte les escaliers et nous plonge finalement dans la zone crépusculaire de la République de Weimar – ou du moins lorsque Graf en effectue consciemment des simulations incomplètes.
D’autres signes indiquent que, des rues en béton noir aux aperçus particulièrement évidents de stolpersteine, nous sommes tous dans l’instant présent, avec des pierres d’achoppement en laiton incrustées dans les trottoirs pour commémorer les victimes de l’Holocauste.Tesla de Michael Almereyda a rappelé que cette approche télescope des romans historiques mettait en valeur notre position par rapport aux événements observés.Cependant, la méthode de Graff peut résister aux dispositifs d'aliénation trop stimulants, tels que le narrateur minimisant les entrées Google du bout des doigts.De plus, l'esthétique ludique, folle et sévère utilisée par les cinéastes correspond à son thème, à savoir la société chaotique de l'éphémère République de Weimar.Les troubles et l'anxiété généralisée de la République de Weimar ont au moins engendré une partie de l'art et de la vie à Berlin.Des expériences folles, avant qu’elles ne soient étouffées par la chute de l’État allemand dans le fascisme.
Après l'ouverture lente et méthodique de l'objectif de suivi, Fabian affiche une série d'images, alternant rapidement entre un film granuleux de faible spécification et une vidéo numérique délavée.On nous a présenté Jakob Fabian (Tom Schilling), un vétéran choqué, diplômé en littérature, et dans une nuit bruyante, il était prêt à assumer le poste de rédacteur publicitaire.Fabian rentre chez lui avec une femme plus âgée (Meret Becker), pour découvrir qu'il doit signer un contrat avec son mari pour coucher avec elle, et peut même avoir droit à une indemnisation.Fatigué du mélange cynique d'abandon d'entreprise et de procédures officielles, qui était à la base de son transfert de la vie nocturne berlinoise, il s'enfuit dans la nuit.
Partout dans le monde, Fabian ne supporte pas l'air du temps, et l'abandon désespéré des relations humaines détermine le chemin de vie de tous ceux qu'il rencontre.Un collègue incompétent lui a volé son idée de campagnes publicitaires et, par conséquent, il a perdu son emploi.Peu de temps après, elle a rencontré et est tombée amoureuse de l'actrice Cornelia (Saskia Rosendahl) qu'elle avait rencontrée, et cette dernière vivait dans son immeuble.Fabian a été contraint de l'accepter comme maîtresse de cinéaste afin de prendre pied dans le film.
Dans l'ensemble, cette histoire sur l'incapacité des jeunes à gérer émotionnellement le comportement sexuel de leur amant est une histoire peu connue.Mais Graf a réussi à rendre cette illusion vivante en nous tenant à distance de Fabian, avec une narration en voix off artificielle et autoritaire (alternance de voix masculines et féminines).Cependant, ou peut-être parce que nous avons été évacués du couple, leur cour est devenue la seule chose au monde qui puisse élever un chien.Marqués par le genre de jeunes stupides et intéressants, ils se sont immédiatement ouverts l'un à l'autre, ont conspiré pour éviter le propriétaire, les hippies sur un lac à l'extérieur de Berlin et ont spontanément exécuté des danses folkloriques de fin de soirée parmi les fans-sincérité de Fabian et Cornelia Romance. brise l'ironie tragique de la narration du doublage.
Le noble Albrecht Schuch, collègue du projet Fabian, représente une exception au sinistre ridicule de la société dans son ensemble.Labude est très inquiet à propos de la thèse postdoctorale.Il est également un social-démocrate actif et un instigateur des principes de rationalité et de justice.Avec ses idéaux, ce personnage, tout comme les navetteurs qui attendent sur le quai du train au début du film, semble pour le moment silencieux.Ses pensées ne sont pas adaptées à l'évolution des temps.C’est peut-être pour cela que Fabian semble plus découragé.Ayez toujours le dernier mot dans leur conversation.À un moment donné, alors que Fabian était juste pour l'observation et non pour sa propre défense, Labude a demandé : « En quoi cela aide-t-il ?Le défaitiste de Fabian a répondu : « Qui va être aidé ?Superposez les ombres.
En fin de compte, l’agitation politique socialiste frivole de Labude et l’attitude d’écriture à distance de Fabian ont été avalées par les tendances historiques.Bien que le livre de Kästner ait été publié moins de deux ans avant l'arrivée au pouvoir des nazis, il transmettait la prémonition que la République de Weimar était sur le point de se terminer, mais il ne comprenait pas ce qui allait se passer, mais nous et le film avons hérité de ces terribles détails, comme une partie des nazis.l'histoire du monde.Ce livre satirique sombre de Kästner fait regarder la société dans laquelle vit son auteur.Le film utilise la bridité de ses images, son temps et son espace chaotiques et la logique onirique des bandes dessinées grotesques, rappelant les cauchemars du passé.Son caractère est plein d'une sorte de peur contradictoire, qui ne peut survenir que dans les rêves : la peur avant le grand désastre est inévitable parce qu'elle s'est déjà produite.
Acteurs : Tom Schilling, Saskia Rosendahl, Albrecht Schuch, Meret Becker, Michael Wittenborn (Michael Wittenborn), Petra Kalkutschke (Petra Kalkutschke), Almarscha Stadelmann (Almarscha Stadelmann), Anne Bennent (Anna Bennent), Eva Medusa Gun (Eva Medusa Gühne) Réalisateur : Dominique Graff Scénario : Dominique Graff, Konstantin Ribb Temps de sortie : 178 minutes : NR Année : 2021
Contrairement à Malcom & Marie, le premier long métrage de Daniel Brühl s'est révélé être un véritable automodelage.
A côté se trouve le rôle de Daniel Brühl en tant qu'acteur sur le marché mondial du cinéma et le luxe qui l'accompagne, associé à un récit de représailles étouffé qui ressemble en surface à Sam Levinson (Sam Levinson) « Malcolm & Marie ».Mais en manipulant le film pour vérifier les droits d'agence à l'écran du scénariste et du réalisateur de l'agence, le premier long métrage de Bruhl s'est avéré être une véritable satire autodidacte.Brühl ne se livrera pas à la fausse humilité de nombreuses satires hollywoodiennes ;en fait, « à côté » est la satire cruelle de cette forme de complicité, dans laquelle les stars de cinéma, et même les gens ordinaires, font de la politique. En corrigeant mon bromure, j'ai vécu une vie qui me plaisait, fermant les yeux sur l'environnement qui l'entourait. , en particulier les nombreux quasi-juifs qui pouvaient se permettre de payer.Réaliser de manière complexe la survie des serviteurs des classes moyennes et supérieures.
Bruhl incarne la star de cinéma Daniel (Daniel), il lui ressemble à tous égards.Comme Brühl, Daniel bénéficie de privilèges à Cologne et a fait des progrès considérables dans le monde du spectacle.Au début de Next Door, Daniel s'apprêtait à auditionner dans son luxueux appartement berlinois pour jouer un rôle dans un blockbuster top secret, qui lui rappelait son rôle dans Captain America : Civil War « Dans le rôle.Ainsi, pour une courte période, nous sommes tentés de penser que ce film sera un fragment fictif impromptu de la vie de Brühl, qui dépend probablement de la grande audition jusqu'à ce que les barrages apparaissent.Daniel s'est arrêté au bar pour se rendre à l'aéroport et a été hébergé par un Bruno ordinaire (Peter Kus).À l’opposé, ces personnes ont mené des études dramatiques : Daniel s’habillait proprement, faisait des exercices matinaux et adoptait de sages habitudes alimentaires, tandis que Bruno était plus âgé, maladroit et apparemment habitué à manger.Un petit-déjeuner plus riche et de la bière.Cependant, le regard de Bruno n'est pas doux, car depuis sa première apparition dans le film, cet homme dégage une sagesse et une colère acides.
Quand les gens luttent contre leur volonté, le scénario de Daniel Kehlmann affiche subtilement notre loyauté.Daniel est un humble idiot qui subit le moindre coup dans le film.Un jour, il a dit au propriétaire du bar qu'il était heureux de ne pas boire de café fort car il était amer et pouvait provoquer une crise cardiaque.Ce geste est son humble pensée, alors que les personnes qui appartiennent réellement à ce bar n'ont peut-être pas besoin de réfléchir au concept d'humilité.Il y a aussi une blague sournoise, drôle au début, puis qui devient une menace.Dans ce cas, les gens (du propriétaire du bar jusqu'à ses fans) entrent dans les environs du bar sans la réelle attention de Daniel, ce qui se manifeste de manière concise. Il était aveugle au prolétariat jusqu'à ce que ce dernier force une estimation.
Pour autant, Bruno n’est décidément pas un héros ouvrier proposé à une consommation aisée de riches sermons.L'homme était très mécontent, dirigé avec amertume et, à sa manière, il était aussi qualifié que Daniel, comme en témoigne la façon dont il s'est inséré dans la matinée de Daniel, insistant auprès de l'acteur sur le fait que son film était nul et l'a personnellement insulté.Daniel a dit à Bruno que ses opinions n'étaient pas pertinentes car nous pensions qu'une telle déclaration faisait partie de la défense de personnalités publiques.
Ces deux personnages ne sont généralement pas sympathiques, même s'ils sont tous deux très attirants et liés l'un à l'autre, et ensemble ils exercent notre jalousie et notre ressentiment envers l'élite sociale, ce qui fait de « Next Door » une qualité anxieuse, et peut même l'être particulièrement de cette manière. ., Et la conversation entre Daniel et Bruno n'était calme et agressive que dans un sens passif.Au début, il était évident que Daniel ne franchirait pas ce seuil et ne voudrait peut-être même pas se rendre à un niveau subconscient, car les hommes se servent les uns des autres pour chasser leurs démons culturels.Ils ont trouvé que le dégoût les uns envers les autres s'accompagnait.En ce sens, le film n’est pas sans rappeler de nombreux thrillers hitchcockiens, notamment « L’Étranger dans le train », qui met également en scène un agent chaotique nommé Bruno.
Le scénario taquine les diverses explications de Bruno à propos de Daniel, dont la raison la plus claire est le ressentiment de Bruno face à la tension quelques jours avant la réunification de l'Allemagne.Bruno a d'abord affirmé sympathiser avec la Stasi, étant donné la crise financière en Allemagne de l'Est par rapport à l'Allemagne de l'Ouest, le fossé social entre la Stasi et Daniel et Bruno était parallèle.Cependant, cette idée n’a jamais été examinée à fond et existe en fait comme décoration de fenêtre pour la scène des trackers.Cependant, Brühl veut respecter la qualité de la vie quotidienne, en particulier la façon dont les hommes apprécient le luxe dans la déception, et est pris pour trop tôt dans la journée, et il ne s'est jamais pleinement consacré à approfondir les mécanismes du genre.Imaginez un inconnu dans un train, ne lâchant pas son appareil avec extase.
Dans la seconde moitié de Next Door, les détails lâches et sous-utilisés ont continué à s’accumuler, pour finalement atteindre une fin consciemment incomplète.Le genre de grâce méprisable que ces gens ont reçu à la fin du film les a unis dans un environnement désolé et les a unis au-delà d'énormes barrières sociales.Cela montre un tournant plutôt qu’une conclusion, ce qui nous fait nous sentir mieux.Un film partenaire anormal qui ne se réalisera jamais est prêt.Ce mystère inexplicable est en effet cohérent avec la conception du film, reconnaissant les inégalités, qui affectent souvent nos vies, généralement sans commentaire ni catharsis.Dans le cas de « Next Door », une telle conclusion est plus valable en théorie et semble être une stratégie de sortie pour les cinéastes qui n’ont pas encore pleinement réfléchi à la fin.
Acteurs : Daniel Brühl, Peter Kurth, Aenne Schwarz, Nils Doergelo, Rike Eckermann ), Vicky Krieps (Vicky Krieps) Réalisateur : Daniel Brewer (scénariste) : Daniel Kehlmann (Daniel Kehlmann) Temps de sortie : 94 minutes Note : NR Année : 2021
Ce film fait allusion à la fusion des films Eco Doctor et Acid Western, et cette différence entre les différents genres conduit à une mystérieuse atmosphère de tension.
"A Shape of Things Come" de Lisa Malloy et Monaco (JP Sniadecki) fait allusion à la fusion des documentaires écologiques et de l'acide ouest désolé, et les différences entre ces genres ont provoqué une tension mystérieuse.Parfois, Sundog, le reclus à longue barbe au centre du film, ressemble à un hippie divertissant, buvant de la bière, dansant dans un bar local, lisant des romans et s'amusant avec divers animaux dans un écosystème temporaire de ranch-slash. Désert de Sonora, près de la frontière mexicaine.Dans d'autres endroits, il semblait avoir des dents, pointait un fusil puissant sur la tour de surveillance, patrouillait avec mépris dans la voiture de la patrouille frontalière et se mettait en colère.Vous pouvez vous retrouver divisé, soit en regardant le film pour célébrer l'autosuffisance d'une personne, à cette époque, nous sommes profondément dépendants de Grid, soit en craignant qu'il soit une personne bizarre et bien-pensante qui exprime son mécontentement à sa manière. d’exception sociale.Pour Sundog, c’est sa voie ou son autoroute.
La forme des choses à venir est largement ancrée dans la vie quotidienne de Sundog.Ce film rappelle aux gens à quel point les grandes lignes de divers processus sont fascinantes lorsque les artistes ont la confiance nécessaire pour observer leur sujet mais ne sont pas intéressés (dans ce cas, de la chasse et du massacre d'animaux par Sundog à sa récolte de crapauds au venin au milieu de la nuit). .Laissez-les respecter le récit prescrit.Cette volonté d'abandonner le récit traditionnel coïncide avec le fait que Sundog évite la société traditionnelle.La vie de Sundog semble être sans bruit, de la dureté des publicités aux discours politiques polarisés, sans exception.L'une des scènes les plus excitantes du film est qu'il prend simplement un bain dans une baignoire extérieure, entend des sons naturels et profite d'un moment de réflexion et de confort.Lorsqu'il s'enfonça dans l'eau, c'était comme s'il retournait dans le ventre de sa mère.
Une certaine attente de violence, couplée à l'ambiguïté de l'environnement créatif du film, a empêché « La Forme des choses » de devenir une célébration douce et charmante, vivant sa propre vie à sa manière.Les photographies tremblantes de Malloy et Sniadecki dégagent une étonnante texture névrotique, qui rappelle les peintures de paysages de Vincent van Gogh.Dans les premières images, Sundog a été photographié obliquement alors qu'il marchait parmi diverses plantes, suggérant des coups de pinceau fous et reflétant l'espace libre agité de Sundog.Le film utilise également des symboles plus évidents, tels que les plans prémonitoires de l'avion aérien (le messager de Sundog de la corruption et de la pollution dans le monde) et les plans prémonitoires du serpent à sonnette, qui peuvent également être une interprétation thermique de la frustration croissante de Sundog..Utilisé conjointement avec le programme de surveillance de Broder Patrol.De tels moments fous, notamment dans les scènes où Sundog semble avoir commis des crimes graves, nous amènent à nous demander si nous regardons réellement un documentaire ou si nous sommes plus proches d'un thriller expérimental.
Dans « La forme des choses dans le futur », Malloy et Sniadecki invitent le public à lire diverses significations profondes et troublantes dans le titre du film.Cela peut faire allusion au développement fou de Sundog, ou à la folie du monde du métal et du plastique que nous avons construit presque à partir de l'héritage de la nature, ou les deux.Dans cette situation plutôt inquiétante, on pourrait penser que Sundog allait succomber à la machine moderne de l'entreprise, car sa colère compréhensible pourrait nuire à sa capacité à profiter de l'excellent petit sanctuaire qu'est celui où il a lutté dans un pays de tolérance..
Réalisateur : Lisa Malloy (Lisa Malloy), JP Sniadecki Sortie : Grasshopper Movie Temps de sortie : 77 minutes Note : Indécis Année : 2020
Ce film atterrira et atterrira comme une expression de confiance sans entrave dans notre humanité commune.
"Raya et le dernier dragon" de Don Hall et Carlos López Estrada apportent Disney et d'autres événements de divertissement Disney récents. Par exemple, Moana est vivement enrichi et amélioré.Ils ont un esprit mature, des éléments d'intrigue étendus et s'engagent à montrer une variété de cultures et d'avatars asiatiques à l'écran : The Last Chizong.Bien sûr, même si la série Nickelodeon s'inspire des traditions d'Asie de l'Est, le film intègre soigneusement des éléments des pays d'Asie du Sud-Est (dont le Vietnam, le Cambodge et le Laos).
Cependant, dans la vaste diversité de construction et d'esthétique du monde, Raya et "Le Dernier Dragon" rappellent le plus évidemment l'expérience du visionnage du film "Star Wars".Le voyage de Raya (Kelly Marie Tran) de terre en terre - du marché flottant de Talon au palais de marbre de l'Arche - a ses propres rituels, palettes et enjeux uniques (par exemple, dans Talon, l'artiste est habillée en bébé doux).Adele Lim (l'homme riche et fou d'Asie) et le scénario du dramaturge Qui Nguyen, sans sacrifier l'élan de l'histoire légendaire du protagoniste, ont dévoilé de manière fascinante le mythe du monde fantastique en constante expansion.
Au début du film, Kumandra est un royaume brisé, détruit par de violents affrontements entre cinq pays isolationnistes et hanté par Druun, un monstre semblable au smog qui transformera des milliers de citoyens en pierre.Six ans après que son père (Daniel Dae Kim) ait subi ce fléau, Raya cherche à reconstruire un joyau magique brisé et à en faire celui qui a autrefois sauvé Kumandra et exilé Druun. Le dragon légendaire est ressuscité.
Si ce genre d'intrigue se développe avec la stabilité et la prévisibilité des jeux vidéo (dans chaque pays), Raya obtiendra un autre joyau et recrutera des membres pour sa sale équipe d'aventuriers, le décor luxuriant et l'évolution de Raya éviteront tout sentiment de répétition.Surtout, Raya a un problème de confiance : c'est sa propre fausse croyance dans la « nerd du dragon » voisine, Gemma Chan (Gemma Chan), lorsqu'elle était jeune, qui a conduit à la destruction de la gemme et à la libération de Druun.Chacun des nouveaux compagnons de Raya l'oblige à affronter sa peur de perdre confiance, et ce film reflète bien les démons des filles dans le domaine géopolitique, et les cinq pays refusent d'unifier les menaces auxquelles elles font face.
En tant que sauveur de Raya, le dragon d'eau Sisu, Awkwafina offre une performance sonore de scène unique et volée, qui rappelle inévitablement Robin Williams d'Aladdin de Disney.) L'assistant.Sur fond sublime de l’épopée fantastique de haute altitude, Awkwafina parle vite et s’autodérision.Elle connaît ses précédents rôles de comédie.Il semble qu’elle soit une figure d’un autre monde et contemporaine dans un paysage fabuleux.Dans la grande tradition Disney, les adorables amis abondent dans Raya et Last Dragon, comme certains insectes des pilules et certains Alan Tudyk d'Amadelo., Jouant à la fois le rôle d'animal de compagnie et de transport, ainsi que le capitaine Boun (Izaac Wang), enfant cuisinier et capitaine, sa famille a été jetée à Druen.
Bien que Raya soit une héroïne courageuse et noble, elle a une confiance en elle admirable dans son intelligence et sa force, mais le choc de Namari de la trahir laisse un arrière-goût inébranlable, qui la fait parfois agir de manière impulsive avec colère ou vengeance.Le fantôme en colère de la jeune fille apportait un certain degré de danger à cette bataille prolongée, qui semblait aller au-delà du tarif discret habituel de Disney.À travers ses habituels combats d'arts martiaux avec Namaari, ou encore ses combats avec des armes et ses combats rapprochés, la chorégraphie féroce montre que ces deux jeunes femmes sont à la fois mortelles et dangereuses l'une pour l'autre.Pour Raya, la frivolité rafraîchissante s'appuie sur l'agitation intérieure glacée de la reine Arendelle, la reine Elsa, demandant au public d'accepter les imperfections de l'héroïne, même s'il ressent parfois de la peur dans l'action.Ces conflits violents ne sont pas les seuls éléments du film qui persistent dans le noir : lorsque Raya et Sisu rencontrent Tong (Benedict Wong) debout, seuls en état de destruction, le regard de Raya erre sur le berceau vide dans le coin. , La perte d'éclairage sans un mot est trop douloureuse pour en discuter.
Raya et le dernier dragon évitent une fin plus sombre et douce-amère, afin de pouvoir facilement se sortir de la situation difficile : dans la scène finale, la mortalité et le désespoir sans fond s'inversent facilement.Cependant, ce jeune public n’a peut-être pas besoin des films Disney pour lui dire que, comme le Druun décrit par Sisu, « le fléau issu de la discorde humaine » causera des dommages durables.Dans ses propres termes magnifiquement décrits, le film utilise le site d’atterrissage comme une célébration de l’espoir, montrant à quoi ressemblera une confiance sans contrainte dans notre humanité commune.
Acteurs : Kelly Marie Tran, Awkwafina, Jemma Chan, Daniel Dae Kim, Sandra Oh, Ben Benedict Wong, Izaac Wang, Talia Tran, Alan Tudyk, Lucille Soong, Patty · Harrison (Patti Harrison), Ross Butler (Ross Butler) Réalisateur : Don Hall, Carlos Lopez Estrada (scénariste), Adele Lim Sortie : Walt Disney Studios Motion Pictures durée de sortie : 107 minutes Note : PG Année : 2021
Le film n’a pas réussi à saisir efficacement comment la vie et l’expérience professionnelle de sa protagoniste ont affecté sa vie en tant que personne et artiste.
Basé sur les mémoires du même nom de Joanna Rakoff, « Mon année Salinger » du scénariste et réalisateur Philippe Falardeau, qui se déroule dans les années 1990, a suivi un chemin délabré, suivant les deux Joanna (Margaret Querley), adolescente, qui tentait de démarrer sa carrière d'écrivain et espérait qu'elle se démarquerait de son poste actuel de secrétaire de la New York Literary Institution.Son œuvre est un trait qui distingue cette adaptation de beaucoup d'autres films que des scénaristes ambitieux tentent d'adapter dans les grandes villes, car la patronne de Joanna, Margaret (Sigourney Weaver), représente Avec l'écrivain solitaire JD Salinger de The Catcher in the Rye, cette jeune femme réalise le illusion commune d'un contact étroit avec les héros littéraires.Mais cela signifie aussi que le film regorge de références à la mode à des œuvres et à des personnages littéraires brisés, et cette familiarité devient vite médiocre.
L'intrigue tout au long de l'histoire décrit le travail de Joanna dans l'agence de photographie, sa vie personnelle et l'intrigue de sa lutte pour devenir écrivain, tissés ensemble sans enthousiasme, comme si vous regardiez deux films différents.Bien que Joanna soit l'un des mystères les plus légendaires du monde littéraire, Joanna estime que son œuvre n'est qu'un tremplin vers sa carrière, et cette ambivalence semble avoir disparu dans la narration de Falado.
Comme « Mon anniversaire Salinger » n'a pas réussi à comprendre efficacement comment sa vie et son expérience professionnelle ont affecté sa vie en tant que personne et en tant qu'artiste, Joanna s'est sentie comme une personne vide.À l’exception du moment où elle a déclaré avoir publié deux poèmes, nous ne savions presque rien de son écriture et de sa démarche.Dans ce cas, son petit ami narcissique Don (Douglas Booth) écrit ce roman, qui a beaucoup attiré l'attention de Falado, ce qui est un peu déraisonnable.direction.
Il y a eu au moins quelques moments passionnants qui ont rendu mes années Salinger actives, rien de plus que la reconnaissance des fanatiques du seigle parmi les gardiens.Dans les institutions littéraires, la tâche de Joanna est de répondre aux superstitions de Salinger avec des réponses écrites à l'avance par des impersonnels il y a des décennies.Alors que les fans regardent la caméra tout en lisant la lettre, le film raconte implicitement que l'empreinte d'une grande œuvre attire toutes sortes de lecteurs, et en même temps semble être écrite pour un seul lecteur.Selon la politique de l'entreprise, c'était encore plus effrayant lorsque Joanna a coupé en morceaux la lettre d'un fan immédiatement après avoir terminé sa réponse.
Mais l'éloquence initiale sur cet angle s'est transformée en maladresse, lorsque Joanna a commencé à imaginer qu'un fan particulier (Théodore Pellerin) était une conscience imaginaire, et Falado a utilisé ce personnage pour exprimer de multiples expressions.Le sous-texte de la scène.L’apparition de ce type d’intrigue dans un récit par ailleurs simple m’a rappelé par inadvertance une histoire antérieure dans « My Saling Year », lorsque Joanna était une voyou et a répondu à un partisan avec ses propres mots Lettre de.Joanna a dit à un lycéen de s'inspirer de Holden Caulfield et de penser par elle-même.Il est difficile de ne pas penser que le film lui-même aurait dû écouter ses conseils.
Acteurs : Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Brian Obern, Théodore Pellerin), Colm Feore (Colm Feore), Senna Haq (Henza Haq) Réalisateur : Philippe Falardeau Scénario : Philippe Falardeau Sortie : IFC Film Festival Durée de projection : 101 minutes : Année R : 2020
Quelle est la différence entre le cinéma et l’actualité ordinaire, et son intervention dans la réalité, c’est la différence de temps.
Comme nous le savons grâce aux comédies burlesques, les mouches sur les murs peuvent transformer n'importe quelle scène en journal enroulé, les meubles en atelier de forgeron et en un vortex chaotique de policiers spéciaux chaotiques attirant les jubilations.Les documentaires diffusés sur les murs comportent des risques similaires.Considérant que le comportement d’observation change nécessairement ce qui est observé, les cinéastes doivent toujours choisir l’objectivité de la position liée à leur sujet – si le sujet s’avère être politique, cela aura des conséquences délicates.
Certains enregistreurs ont accepté cette contradiction et ont enregistré leur intervention comme faisant partie de la réalité qu'ils ont enregistrée.Par exemple, Joshua Oppenheimer (Joshua Oppenheimer) dans le « Killing Act » a invité les auteurs des massacres en Indonésie en 1965-66 à reconstruire « l'héroïsme » cruel devant la pègre.caméra.En y jetant un coup d'œil rapide, Jill Li, la première cinéaste, a choisi la méthode la moins pratique du « Cours perdu », dans laquelle elle a enregistré une scène à Wukan, un village de pêcheurs chinois de la province du Guangdong.Les protestations polonaises ont conduit à une expérience démocratique ratée.
Dans la première partie du film « Protestation », lorsque les villageois de Wu réagissaient à la vente de terres publiques par des fonctionnaires corrompus, organisaient des manifestations à grande échelle et des pétitions collectives et étaient soutenus par une grève générale, la caméra de Li tomba au plus profond. de l'action..Avec la montée du mouvement, le film se concentre sur certains militants qui semblent avoir les meilleures intentions et sont déterminés à servir d'institution d'État à parti unique en Chine.En fin de compte, les protestations ont forcé le gouvernement à approuver la demande d'élections libres des villageois, et les dirigeants du mouvement ont été dépêchés au sein du comité du village.
La deuxième partie « Après la protestation » sera ouverte un an après les élections.Le nouveau comité du village est tombé dans une bureaucratie et s'est retrouvé impuissant et n'a pas réussi à restaurer les terres de Wukan.Dans le même temps, les gouvernements de niveau supérieur ont choisi leurs dirigeants, créant ainsi un fossé entre eux et les électeurs.Au fil des années, alors que les villageois se résignaient face au lent et inévitable déclin de Wukan, leur désillusion s'est transformée en désillusion.
Maintenant qu'il n'y a plus beaucoup de protestations, cela a ouvert un espace pour Li-lyrique, des lanternes rouges et blanches brillent dans une flaque de pluie, ou des papillons de nuit sont brûlés par zippo avec une cruauté désespérée pour montrer le rythme de la vie quotidienne et retourner à Wukan.Cependant, ce sont encore des exceptions à la règle selon laquelle elle ne dérange pas la caméra.La règle de la caméra ne présente la situation que lorsque la scène se produit, et le cinéaste n'est jamais intervenu dans sa propre politique ni exercé de jugement sur les villageois (ce qui peut expliquer la raison pour laquelle Li a été autorisé à tourner le film).Tout d'abord).Tout au long du processus, quelqu’un avait le sentiment qu’elle cultivait sa confiance.Ils sont habitués à l'existence de la caméra et semblent s'adresser directement aux personnes derrière eux plutôt qu'au public imaginaire, et prennent même des risques en révélant des détails sensibles.
Au point culminant du mouvement, d'autres équipes de tournage et des journalistes sont apparus en périphérie, mais une fois la poussière retombée, il ne restait plus que la caméra de Li, plongeant dans le chaos quotidien des défilés et des spectacles électoraux.La différence entre le projet de Li et l'actualité ordinaire réside dans son intervention dans la réalité, qui est une différence de temps.De son côté, Robin Li a passé six ans (de 2011 à 2017) à se battre pour tourner Wukan, et peut-être plus important encore, sur les conséquences, ce qui semble sans importance, mais c'est un dévouement aux films embarqués, plus Avec sa durée de trois heures, cela donne au cours la force de la perte.
Ce film a consacré beaucoup de temps, non seulement à discuter de la lutte de Wu Kan en tant que processus politique chinois au niveau micro, mais également à mener des études de caractère sur les personnes concernées.Même lorsque leur enthousiasme et leur innocence, même lorsqu'ils renonçaient au combat, se condamnaient mutuellement ou recherchaient aveuglément les réalisations du passé alors que le mouvement politique stagnait, l'objectif de Li restait fermement sympathique.Parce que sa politique ne peut être que sous-entendue à travers cette sympathie, elle laisse le public en tirer des leçons et expliquer la situation.Il est courant que des individus soient des hommes politiques, mais la « Route perdue » rappelle aux gens que les hommes politiques sont aussi des individus.
Si la série « Bob l’éponge » s’est enfin ouverte, il semblerait que ce soit l’audience qui déçoive le plus.
"Qui va embarquer pour une autre aventure qui me rapportera de l'argent?"Dès « Bob l'éponge, le film : L'éponge court », on l'appelait Crabs (Clancy Brown), le patron de Krabby Patty.) Quand j'ai pleuré.Squidward (Rodger Bumpass), l'employé le plus étiré de M. Crabs, a levé les yeux au ciel avant de quitter le fast-food sous-marin.Face à un film de mercenaires cyniques comme celui-ci, il est difficile de ne pas éprouver de la sympathie pour Squidward, car le troisième long métrage basé sur la série animée bien-aimée de Nick Layton semble principalement destiné à attirer les adultes, avec des stars identifiables apparaissant dans le relief en direct., Et des films emblématiques.Rôle nautique.
Lorsque le futile roi Poséidon (Matt Berry) a kidnappé l'escargot de mer bien-aimé de Bob l'éponge (Tom Kenny), Gary (également Kenny) pour utiliser son mucus pour les soins de la peau, Bob l'éponge et Patrick (Bill) Fagerbakke) ont décidé de le sauver du monde perdu. la ville d’Atlantic City, qui est « un terrible et infâme cloaque de dépravation morale ».Les fans de Bob l'éponge sauront à quel point Gary compte pour son propriétaire, et dans le camp d'été, la fête du couple est rétrospectivement mignonne et sérieuse.Cependant, « l’éponge qui s’échappe » est parfois inconsciente et incapable de se concentrer sur sa tâche.Dans la cité perdue d'Atlantic City, il y a même une longue période de jeu, où Bob l'éponge et Patrick découvrent qu'ils ne peuvent pas toujours se concentrer dessus.
Les séries télévisées Bob l'éponge aiment toujours les moments aléatoires, et Sponge on Run ne manque pas non plus d'étrangetés inoffensives, tout comme Patrick l'a expliqué avec un sérieux ridicule en se présentant une fois : « Mon nom est sur les Celtics.Cela signifie un grille-pain.Mais cette logique maladroite apparaît plus efficacement dans les caractéristiques passées de Bob l'éponge, qui sont un ensemble de traits de caractère mignons et idiosyncrasiques.Ici, la narration elle-même est absurde.
Une fois que Snoop Dogg et Keanu Reeves apparaissent dans une séquence de rêve longue et impuissante, c'est une distraction, pas une illusion ;dans la séquence de rêve, le tumbleweed brûlant et le visage de ce dernier sont dedans., Défiez Bob l'éponge et Patrick pour libérer une équipe de danse hip-hop carnivore.Le pirate zombie de la berline Diablo (Danny Trejo).Cependant, l’incompréhensibilité n’est pas synonyme d’inutilité, car les apparitions d’invités célèbres semblent être intégrées à des fins de marketing.Kamp Koral, la préquelle de cette série télévisée, sort avec ce film, et dans la dernière demi-heure, abandonnant une série d'intrigues et adoptant une série de plans de retour au camp d'été, cela semble faire partie d'une aventure rentable. .
Bob l'éponge a toujours été la chose la plus étrange et la plus merveilleuse, c'est qu'il permet aux enfants de voir la vie marine en tant qu'adultes d'un seul coup d'œil.En revanche, « Bob l'éponge » a abandonné les emblématiques dumplings insipides de la série et a demandé au public de grandir s'il voulait suivre (par exemple, le vulgaire festival mentionne « les gens somnolents ». Vomissements la nuit »).
Peu de Sponge on the Run peuvent trouver le point idéal classique, considérant les enfants comme étant capables de comprendre l'humour complexe tout en les laissant parler dans une farce stupide.La marque narrative de style relais de la série est parfois efficacement affichée ici, par exemple lorsque Patrick et Bob l'éponge voient un aperçu de la scène se déplacer vers la « fenêtre du même temps », et lorsqu'ils se disputent pour savoir si leurs aventures deviendront plus .Un moment comme un film entre amis ou le voyage d'un héros.Cependant, le couple sera peut-être déçu d'apprendre que leur quête décousue et ennuyeuse n'a pas suivi une structure aussi satisfaisante.Si la série « Bob l’éponge » s’est enfin ouverte, il semblerait que ce soit l’audience qui déçoive le plus.
Acteurs : Tom Kenny, Bill Fagerbakke, Rodger Bumpass, Clancy Brown, Mr. Lawrence, Jill Tully (Jill Talley, Carolyn Lawrence, Matt Berry, Awkwafina, Snoop Dogg, Danny Te Danny Trejo, Tiffany Haddish, Reggie Watts Réalisateur : Tim Hill Scénario : Tim Hill Sortie : Paramount + Durée de sortie : 91 minutes Note : PG Année : 2021
Les films d’Anthony et Joe Russo ne peuvent jamais échapper au vide inhérent au rôle de Cherry.
Tom Holland présente un regard maigre et affamé au début de « Cherry » d'Anthony et Joe Russo, dans lequel on voit les personnages du même nom avec une manière étonnante de braquer les banques avec la moitié des actifs.Le jeune homme manquait de projets et ne savait rien des conséquences, en partie parce qu’il était toxicomane aux opioïdes.Cependant, comme le révèle le reste de l'adaptation du roman semi-autobiographique largement acclamé de Nico Walker de 2018, la combinaison de l'ignorance et de la combinaison Lu a conduit à son développement et est même devenue accro en Irak.Avant la route.Chery a déclaré dans la narration : "J'ai 23 ans cette année et j'ai prolongé les parties antérieures et les plus actives du film, mais je ne comprends toujours pas ce que font les gens."Le centre (le cas échéant) n'a tout simplement pas lieu.
Après les remarques d'ouverture, le film a été raccourci de cinq ans jusqu'en 2002, lorsque Cherry a semé les graines de sa future autodestruction.Tout comme Holland jouait avec un charme éclatant, même s'il se trouvait dans la situation la plus dévastatrice et la plus perdue, la cerise rebondissait toujours de manière quelque peu aléatoire dans sa vie.Tout d'abord, nous avons beaucoup entendu parler de lui - littéralement, il racontait ses fausses tentatives de capturer la vie, tout en passant du temps à Cleveland et en passant du temps avec des amis sans nulle part et en s'engageant dans de faux ensemble au travail.Plus tard, parce qu’une série de mauvais choix limitait ses choix, il n’aurait rien à dire.
Sur le pilote automatique de l'Université des Jésuites, la camarade de classe de Cherry, Emily (Ciara Bravo), se sentait très lourde et elle a montré au public à quoi elle ressemblait : un modèle brillant et beau, confiant, dont la conscience de soi et l'humour rusé étaient à la hauteur du sien.Même si la vie d'Emily semble plus harmonieuse, elle reste finalement pleine de mystères dans le film, comme la vie elle-même l'est pour la cerise.Leur relation est instable mais instable.Après avoir combattu avec Cherry, ils furent encore plus impressionnés lorsque Cherry rejoignit l'armée pendant la période la plus intense de la guerre en Irak.Plus impulsivement, ils se sont mariés avant son départ.
La partie médiane de Cherry remonte au service militaire de notre protagoniste et est la plus convaincante.Pour un film de 20 minutes sorti depuis trop longtemps, toute la séquence de formation de base semble très redondante.L'absurdité de la vie militaire met une fois de plus en lumière la perte de Cherry dans ce monde qui lui semble n'être qu'une mauvaise plaisanterie.En Irak, Russos décrit des scènes d'action à grande échelle avec des images impressionnantes, mais il n'est pas sûr de pouvoir équilibrer l'expérience de Cherry en tant que médecin de combat avec le traumatisme émotionnel causé par l'humour de la jaunisse.
Aux États-Unis, faute de conseils, la vie de Cherry s'est rapidement effondrée à cause du flou du SSPT.Lui et Emily sont devenus obsédés par l'héroïne, ce qui a conduit à court terme à des bizarreries telles que voler de l'argent aux dealers, des problèmes de trésorerie et des vols de banque.Par rapport aux scènes précédentes, la nouvelle vie criminelle du couple et les défis auxquels ils sont confrontés en matière de toxicomanie et de désintoxication ont une plus grande immédiateté et un plus grand drame que les scènes précédentes, et les scènes précédentes ont tendance à être vues à distance ou même des développements significatifs.Mais ce film ne peut toujours pas échapper au vide inhérent au rôle de Cherry.
En liant la catastrophe de la guerre à l'étranger avec la catastrophe de la dépendance dans le pays et l'absence de but de Cherry face à l'Irak, les cinéastes semblent laisser entendre que les États-Unis sont enclins au danger et ignorent les risques.Cependant, bien que ce film implique de nombreux thèmes de raccourcis clavier et soit plein d'événements et de sens de l'humour, son style conscient (de la narration directement à la caméra au ralenti en passant par les techniques visuelles telles que le lavage de tout l'arrière-plan et la création de personnages apparaîtra soudainement dans les couleurs vives - les représentations simples le privent de la possibilité de dire beaucoup de choses. Le cinéaste prend des décisions étranges et termine avec de vagues espoirs, mais il n'y a pas de dialogue pour aider à expliquer la cerise sur le gâteau dans sa vie. Les changements qui peuvent survenir ne font que souligner leur incapacité à articuler leur rôle principal, plutôt que de se perdre.
Acteurs : Tom Holland, Ciara Bravo, Jack Reynor, Jeff Wahlberg, Forrest Goodler K (Forrest Goodluck), Michael Gandolfini (Michael Gandolfini), Michael Rispoli (Michael Rispoli), Daniel R. Hill (Daniel R. Hill) Réalisateurs : Anthony Russo , Joe Rose Scénariste : Angela Russo Osto, Jessica Goldberg Sortie : Apple TV + Showtime : 140 minutes Note : R Année : 2021
Si le monde en dehors du Supermercado Veran est plein de pauvreté et de criminalité, alors nous ne le comprendrons pas depuis ce petit cocon.
Pour la réalisatrice Tali Yankelevich, il est facile de dresser le modeste portrait d'une épicerie brésilienne installée au cœur du supermarché My Darling, où l'accent est mis sur le gaspillage, les travailleurs à bas salaires et les militants racistes.Après tout, le Brésil est un pays caractérisé par l’inégalité des revenus et la lutte des classes.Au lieu de cela, Yankelevich a opté pour quelque chose de plus intéressant, utilisant une caméra coulissante, une partition fantaisiste et la beauté de la barbe à papa, faisant ressembler le Supermercado Veran à São Paulo aux Galeries Lafayette à Paris.
Il n'y a pas d'insatisfaction ni d'injustice ici, seulement des étagères blanches, des produits délicieux et des travailleurs qui aiment travailler.Certains avouent même établir des contacts avec les clients.D’autres se vantent de la diversité des personnes avec lesquelles ils entrent en contact chaque jour.La relation entre collègues date de la période universitaire dans le rêve.Si le monde extérieur est plein de pauvreté et de criminalité, alors nous ne le saurons pas depuis ce petit cocon.
L'approche fantastique de Yankelevich était si ciblée et cohérente que le film n'a jamais vraiment ressemblé à une publicité pour un pays sanitaire inexistant.Mon Supermarché Darling est donc plus proche de la rêverie, portrait d’un lieu trop focalisé, et ce lieu ignore allègrement la macro-réalité environnante.Alors que la caméra de Yankelevich flotte dans l'espace du magasin, elle a rassemblé des vignettes d'observation et des témoignages de son employeur, des anecdotes qui font souvent de Gonzo une réalité.Ce faisant, la caméra humanise la main-d’œuvre normalement invisible.
Yankelevich ne leur a pas volé de délicieuses histoires, mais a plutôt demandé aux ouvriers de nous raconter leurs passions, leurs bizarreries et leurs rêves.Nous avons rencontré un manutentionnaire d'entrepôt obsédé par les jeux de construction de villes et soupçonnant que quelqu'un trouverait son lieu de travail digne d'être filmé.George Orwell était un professionnel de l'histoire, un portier chanteur, un théoricien du complot et un théoricien du complot.Une amoureuse des dessins animés parlant japonais, une employée persuadée qui hante le supermarché et un agent de sécurité qui espère que sa caméra de surveillance pourra déterminer où se trouve son enfant.
Le plus surprenant c'est que même si on n'a jamais eu l'impression que la caméra passait autant de temps avec eux, tous leurs problèmes existaient.Comme s'ils étaient remplis de toutes sortes de contemplations profondes dans l'ennui et l'automatisme, cela a rendu leur travail plus ennuyeux et a finalement trouvé un public consentant.C'est peut-être là la motivation interne de la forme documentaire : la caméra attire des étrangers qui ont besoin d'auditeurs tardifs.La raison pour laquelle Yankelevich a rendu justice n'était pas à cause de leur propre justice, mais parce qu'ils reconnaissaient la richesse des choses dont ils rêvaient et rêvaient avec eux.
Crisis de Nicholas Jarecki est un thriller procédural conçu pour traiter de la corruption et des échecs qui ont conduit à l'épidémie d'opioïdes aux États-Unis.La structure de ce film est la raison de son existence, qui est le centre principal de l'imagination de Jarecki, car le réalisateur et réalisateur a créé trois intrigues qui montrent comment la dépendance aux opioïdes est entretenue dans différentes classes de la société : Des hommes d'affaires dans la rue font du commerce avec pharmaciens louches.À ces universités, les sociétés pharmaceutiques fournissent aux professeurs des financements élevés pour « marquer vert » leurs recherches ;entre le Canada et les États-Unis, les organismes d'application de la loi effectuent des transactions avec les trafiquants.La guerre en cours.En donnant la priorité au processus systémique plutôt qu'au protagoniste, « Crisis » invite presque délibérément à des comparaisons avec n'importe quel film de Steven Soderberg.
L'influence des processus professionnels sur les relations interpersonnelles est la principale obsession de Soderberg en tant qu'artiste, et tout, de ses œuvres sensationnelles à ses expériences basse fidélité, a vu le jour.Il sait utiliser une seule souffrance humaine pour éclairer des sujets de discussion et des procédures potentiellement ennuyeux, comme les gros plans douloureux de Benicio del Toro dans Traffic, et l'inquiétant La spécificité clinique et la peur du format Kromberg ont conduit à la propagation de maladies infectieuses.En revanche, le cinéma de Jarecki a une qualité exaltante, ce qui implique que les trois pilotes de télévision se sont réunis au hasard pour prouver un point évident.Jarecki n'est peut-être pas sûr que son sujet centré sur les opioïdes soit suffisant pour soutenir un film, alors il recourt aux clichés de la vengeance criminelle, de la mère vengeresse à la police, il est trop honnête pour ce monde fragile.La crise s’est terminée par une fin ennuyeuse de 30 minutes.
Dans l'activité d'arbitrage, Jarecki a habilement confondu les mélodrames avec les activistes, utilisant la performance séduisante de Richard Gere en tant que magnat des hedge funds, nous rendant attractifs. Le dysfonctionnement social de la force est confondu par les architectes.Martin Scorsese (Martin Scorsese) dans "Wolf of Wall Street" (Wolf of Wall Street) a intensifié cette astuce pour attirer le public à l'extrême, ils ont admis que la cupidité sociale est notre propre amplification, tout en proposant également de rendre le public Le plaisir de être capable de gérer habilement un mauvais comportement sans aucune conséquence.
La crise a montré que Jarecki avait oublié cette technique, car les pions rigides testaient ou stimulaient de manière stéréotypée le public, et ne le distrayaient pas, à l'exception de quelques suggestions obligatoires que les scénaristes en coulisses suggéraient au scénariste de cocher la case.Face aux gangsters canadiens et arméniens du fentanyl, la détermination de l'agent secret de la DEA, Jack Kelly (Armie Hammer), n'a jamais été torturée ni censurée, et la toxicomane Claire (Evangeline Lilly), en convalescence, enquête sur l'overdose mortelle de son fils. il cligna à peine des yeux.Être tué.Certaines personnes pensent que la mort d'un fils à cause du choix médicamenteux de la mère entraînera des rechutes potentielles et certaines idées ou incidents qui ont été investis d'une pression de survie, mais cette possibilité a seulement été effacée.Au lieu de cela, Jake et Claire sont tous deux considérés comme des héros de films d’action.
L’histoire de la crise la plus ambitieuse et peut-être la plus inquiétante est aussi la plus ridicule.Le Dr Taryn Brower (Gary Oldman), un scientifique et éducateur chevronné qui expérimente depuis de nombreuses années une grande société pharmaceutique (Big Pharma), a été choqué.Les donateurs peuvent vouloir quelque chose en retour, c'est-à-dire approuver une drogue fictive, censée ne créer aucune dépendance, qui pourrait être plus mortelle que les drogues mortelles.Oxycam.Compte tenu de l'expérience professionnelle du personnage, la naïveté de Tyrone, interprété hystériquement par Alderman, semble ridicule, et Jarecki a gâché ici les meilleures idées du film.
Lorsque Tyrone a menacé d'informer l'informateur, les universités et les sociétés pharmaceutiques ont déterré une vieille réputation de harcèlement sexuel, ce qui l'a rendu célèbre, bien que l'impact émotionnel de cette menace et l'hypocrisie de Tyrone en tant que personne considérée comme la vérité n'aient jamais été découverts.En fait, le cinéaste a été tellement surpris par la vie intérieure de ses différents personnages qu'il a même ignoré l'influence du célèbre mariage de Tyrone sur son mariage.La crise a changé à maintes reprises l'élément humain de l'histoire, c'est-à-dire le drame, en échange de statistiques sur les drogues qui peuvent être recherchées par Google en quelques secondes.
Acteurs : Gary Oldman, Arme Hammer, Evangeline Lilly, Greg Kinnear, Kid Cudy (Kid Cudi), Luke Evans, Michelle Rodriguez, Indira Vama (Lily-Rose Depp), Mia Kirchner (Mia Kirshner, Michael Aronov, Adam Suckman, Veronica Ferres , Nicholas Jarecki, Daniel Jun ), Martin Donovan Réalisateur : Nicholas Jarecki Scénario : Nicholas Jarecki Sortie : Quiver Temps de sortie : 118 minutes Note : R Année : 2021
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Heure de publication : 02 mars 2021